杨佴旻新水墨画中国巡回展对话纪要

杨佴旻 《途》 75×62cm 2003年作 纸本设色

杨佴旻《咖啡店》125cmx97.5cm 1998年 纸本设色

杨佴旻《有荔枝的靜物》69 x 69 cm 1997 紙本設色

  共性：他的史诗——杨佴旻新水墨画中国巡回展对话纪要（南京）（一）
  主办：文化部国家当代艺术研究中心、中国艺术研究院美术研究所、中华文化促进会、南京艺术学院、南京艺术学院新水墨画研究所、他的史诗——杨佴旻新水墨画中国巡回展组委会
  时间： 2013年6月7日
  地点： 南京艺术学院美术馆报告厅
  对话会议题：水墨画的色彩与水墨画的共性
  对话会主持：王亚敏博士
  与会嘉宾：李小山（南京艺术学院美术馆馆长、美术批评家）
  陶咏白 （中国艺术研究院研究员、美术批评家）
  聂危谷（南京大学美术院副院长、教授、画家）
  方骏（南京艺术学院教授、画家）
  汉风（河北美术家协会副主席、理论委员会主任、画家）
  王亚敏（博士，南京艺术学院美术馆研究部主任）
  王亚敏：
  今天是“他的史诗——杨佴旻新水墨画中国巡回展”落脚南京隆重开幕的第一天，先向杨佴旻老师表示祝贺，也向到场的各位参加本场对话会的嘉宾们表示感谢！这个研讨会也是全球巡回发展的吧？不同的在地语境会将关于杨佴旻的艺术探索，以及由它引发的探讨话题，持续变化地呈现。在南京，这种语境既是历史的，也是现实的，既是集体的也是个体的。传统含蓄而有韧性地直面当代，即便是活在当下的个体，也始终难以割舍一代代继承的“继承与批判”意识。所以，在南京，她是特别能够彰显问题的本质，回到杨佴旻思考和实践的原点。
  这种历史和现实的重合应该是特别有意思的地方，许多具体的问题将因此而呈现，她们必定在此显出其意义——无论是大是小，亦或根本无效。这个，我把话筒暂且交给在座的学者或者艺术家嘉宾们。
  李小山：
  南京这一站是“他的史诗——杨佴旻新水墨画中国巡回展”的第四站。巡回展到现在，从实际结果上来说，比预期的效果更令人满意。主要的原因还在于当下的整个水墨画和若干年前相比，比如说二十年前，三十年前比，没有很大的改观。水墨画生态基本上控制在美协和画院这样一个权力之下，要么就是市场。基本上就这两块。所以像杨佴旻这样其实是孤军奋战，有一种傲然的态度。他自己从东渡日本、欧美，转辗到回国，自己一个人在画室里研究、创作。我和杨佴旻认识已经多年，九十年代他就在中国美术馆做了个展，当时的展览产生了不小的影响，国内一线的理论家很多给他写了评论文章。最近他的作品突飞猛进的发展。去年我到他的画室，见到一些新的试验性作品，里面有些非常可贵的探索的结果。我想在当下整个水墨画领域似乎非常热闹，但同时又是一种低层次重复的这种情景下，极其需要像杨佴旻这样的艺术，他这种艺术实践给很多的艺术家有启发，同时，就他本人而言，通过这个巡回展获得了各种反馈，对继续推动他的艺术有很大益处。杨佴旻个人的勤奋，他个人的活动其意义何在？我的观点是，一是胆识，一是高度，这两点，特别是艺术的高度不取决于整体，而是取决于个人，因为个人的成功往往贡献的就是一个时代。
  聂危谷：
  我对杨佴旻的艺术关注有很长一段时间了，但是以前主要是在期刊、杂志上看到，都是片段的。今天这个展览给我带来了全新的感受，这么多的作品在一起，给人带来一种不一样的视觉张力。我们要感谢策展人李小山，给我们带来了艺术新气象。我刚刚注意了杨佴旻作品的年代，应该说杨佴旻的作品在九十年代就已经很成熟了，我觉得在那个时间段他的作品就这样成熟有着特殊的意义。他定位比较早，它的意义就不一般。为什么不一般呢，刚刚陶咏白讲到了，当传统水墨转向到现代水墨画这个概念的时候，尤其是八十年代很活跃，有很多类型，有新水墨、现代水墨、实验水墨，还有当代水墨，之前还有表现主义水墨等等。虽然有很多水墨种类，但是这些水墨画主要关注的是水墨本身的问题，还是水墨这个特殊的媒介。虽然传统水墨发生了很多转型，很多变革，但是水墨的特性仍然占主导地位。杨佴旻有一个很大的特殊性，他探索的是水墨画里的另一种，就是彩墨画。早期很多人做过色彩水墨的实验，徐悲鸿、林风眠都有过，林风眠在彩墨画上是最具有开拓性，他在那个时代也达到了一个前所未有的高度。杨佴旻探索的意义在于，在徐悲鸿、林风眠之后，他很快把这个文脉接续起来了。确实色彩对于中国画画家来说基本上是一个很边缘的东西，除了油画家很少有画家去关注色彩，即使关注色彩也是把它作为一个附带的东西，不会把它作为一个主导的倾向。在这点上，杨佴旻具有特殊意义，就是把林风眠所开创的这样一个文脉，把它香火延续了过来。如果说杨佴旻的这个展览之所以称得上“史诗”，他的史诗，我的理解，有这么一个重大意味在里面。
  另外我想和大家一起讨论关于水墨和彩墨的问题。前一段时间，我应邀做了一个“为中国画正名”的栏目，主题为“彩墨画应有一片学术天空”。为什么会强调彩墨画这个问题呢？我们的思维变革有多大，从“五四”以来就不用说了，就是改革开放之后，我们的水墨变化有多大，也不需要多讲了。但是彩墨画始终是一个边缘问题，我们知道徐悲鸿比较早的提出了这个问题，中央美院也曾经有彩墨画系，但是当时有很多的话语，包括政治话语的一些问题在里边，当然也没有被上升到学术层面去思考，其实当时彩墨画领域还不乏大家。不用说徐悲鸿、林风眠了。吴冠中也是一家。当然他有一部分是偏向水墨，应该说他也有很多是彩墨性的东西。黄永玉也是一家，周韶华也有一部分是彩墨画的。张大千晚年的泼彩，至少我把他定位于彩墨画家。那么，杨佴旻的画，这么明显的彩墨特色，我觉得就不妨光明正大的、光明磊落的直接称为彩墨画。杨佴旻要敢于树起彩墨画这面旗子。当然彩墨画、水墨画它们有很多不分家的地方、相通的地方，但是对中国画的变革，总体精神是一致的。一直到今天，我们水墨画探索当中，对色彩也是不够重视的，我们不妨张扬彩墨画的这面旗子，叫水墨画从学术概念上反而有些容易混淆。明明彩的成分这么多，跟墨形成了张力，甚至还超过了水墨的成分了，为什么还要叫做水墨呢，干脆就叫做彩墨画。我自己是一直强调我的画就是彩墨画。林风眠的画后来被定位也是彩墨画。当然也有人给他定位于水墨画的。当然，这也不是杨佴旻一个人的问题，主要还是我们学术界，没有人充分地去研究其学术性，去做理论上的梳理探讨。所以才导致了画家有时候把自己的彩墨画也定位成水墨画了。
  陶咏白：
  出了这样一个题目，共性。我最近看了一些水墨画，我得到了这么一个印象，对水墨画当代性的探索是多种多样的。所谓水墨画的共性，我想是水和墨，这是它的基本元素。从绘画的形式来讲，就是点线面。那么古代对于线，留给我们的十八描等，我们今天怎么去发展水墨画？我看了一些展览之后，还是有新的进步，有人把整个的画面用点来表现，也有的用线，有的用光，这些都有人在研究，都有人在探索。用色彩去表现水墨画的也有，但是像杨佴旻这样去表现，去研究水墨的色彩，我觉得还真是没有看到。他的色彩是通过水墨的晕化，水墨的吸纳性。这些方法，他不同于西方绘画里所表现实体的苹果，很结结实实的苹果，在杨佴旻的水墨画当中，他的苹果就有一种滋润的，它有一种活气，跟周围有互相的交流，所以我觉得水墨画它有一种特殊的艺术表现魅力。杨佴旻在这方面下了几十年的功夫，他的水墨画给人那么柔和，那么优美，那么抒情，这是和西方不一样的。水墨的那种吸纳性，能够把人的情感、精神晕化进去，渗透进去。我想这是中国水墨画特有的独到性。杨佴旻经过几十年研究实践，他有了自己的一套系统，我称之为杨氏技法，他已经成熟了这么一套技法，而且是在不断的升华，不断的发展中。杨佴旻对水墨画的现代转型，他有一种文化的自觉，有使命感。
  另外，新水墨画代表了现代的中国水墨画，水墨画还是表现的文人画。对于新水墨画和彩墨画我也一直有这样的疑问，为什么不直接叫彩墨画呢？好像一说彩墨画我又回到了六十年代，五十年代的那种彩墨画。水墨画呢，总归给人家一种文雅的感觉。虽然用水墨画来概括、变换，把中国画那个概念替换下来了，可能是这样一个约定俗成的问题。而至于用什么样的绘画来命名，还不好说。新水墨画，就是把过去的那种水墨画的概念怎么给它扩展起来。至于你说要重树彩墨画，我觉得又小了点，感觉我们那个概念又缩小了，又成了一个分支了。也还不能代表中国的很特色的一种绘画。
  汉风：
  我觉得李小山策划了杨佴旻的画展，非常的意义，对于当代的水墨画、或者彩墨画也好，具有标准的意义。我觉得杨佴旻绘画的价值，不只在于他吸收了油画的色彩，更多的是用色彩的语言来表现，它的意义更在于他的心境。从理念上来说，如何把这种很纯净的气息，包括内在的真气注入到作品里面。所以说，他的作品，尽管色彩比较斑斓，但是又很温润，非常有气韵，这是非常的难得。很多的画家画了很多的彩墨画，颜色用的很漂亮，一看但是他失去了中国画的最本真的东西，最根性的东西，我觉得那是非常遗憾的。我认为杨佴旻的成功恰恰是在这方面做得很独到。就水墨的当代共性来说，我认为，首先它是文化的交汇点，在一个信息化的时代，文化的交汇是谁也回避不了的，但是如何交汇，如何在交汇的过程中，保持我们文化的根性，审美的根性，这具有极大的意义。
  在八五美术思潮的那个时代，应该说李小山的贡献，刘骁纯的贡献，是把中国美术界掀起那么大的波澜，它的意义就当时来说，从表面看是对西方语言的引入和融合。从根性来说，还是从本体精神、审美精神、文化精神上所下的功夫。我们已经三十年过来了，我们不能只停留在语言的层面，在这个时代，从世界美术来说，从表现主义、象征主义到极简主义、达达主义等等，它作为一种样式，很难再有一种原创性的了。那么我们就没有创作了吗？有。怎么来创造，我认为回到我们自己的心性中来，回到我们非常本真的东西上来。其实，一种非常感人的艺术，不在于它只是变了一种样式。因为变了一种样式，而艺术的语言是异己的东西，是一种异化的语言，那么这种语言再新也没有意义。过一段时间就会被人遗忘。真正的有意义的语言要是新的，同时呢又是发自自己内心的，是一种合乎自己心性的东西，这样的东西我认为是可以久远的。杨佴旻在这方面做得很好，他不温不火，也没有极大的张扬，但是非常的儒雅、非常的文静，从他画里的气息里面，我们仍然能感受到他那种审美的穿透力。我认为这是他的价值所在。
  方骏：
  我感觉水墨画向几个方向发展，一是传统水墨，它在传统水墨的基础上发展，从整个形势来看它比较得势，但是面貌到现在仍然有些陈旧，正在非常艰难的想突破陈旧的面貌。这是传统水墨的状态。另一个，是以前受理论家们大力推介的实验水墨。实验水墨走了不少年了，但是总体看来，好像没有得到更多的观众接受。所以有很多做实验水墨的画家好像失去方向了，我感觉越来越见不到他们新的东西了。杨佴旻这个展览题目叫“新水墨”，我觉得这个新水墨和传统水墨、实验水墨相比较，它的宽容度更大，它可以更广泛的吸收各种实验、各种尝试性的、探索性的水墨画。“他的史诗——杨佴旻新水墨画中国巡回展”北京站的时候，正好我也在中国美术馆办展览，我看到有很多观众关注他的展览，我也很喜欢他这个尝试、探索。实验水墨，是把西方的绘画观念移植到宣纸上来，所以走下去好像比较困难，因为它整个绘画的气息和感觉没有中国的东西，它仅仅是用了一些观念在宣纸上做试验。但是新水墨不一样，它不仅是观念上，还是技法上的。像杨佴旻从色彩上，包括蜡笔派的色彩，运用到中国工具材料上，这个探索我觉得很有启发性，而且在画面上给我们的感觉有种新的美感，是过去传统的中国画当中，传统的水墨画当中不太多见的。虽然前辈们也做过尝试，刚刚有好几位提到的，包括林风眠、刘海粟、吴冠中等，他们这样的尝试，我觉得新水墨很受大家期待的。杨佴旻的探索，我觉得很受鼓舞。
  在新水墨这个领域里边，应有更多的画家去试验、去探索，希望能够对传统的中国水墨画体系有所突破，有所创新。